Muchas veces estamos faltos de inspiración y tenemos ganas de sacar fotografías, salimos con nuestra cámara a cazar imágenes y puf!!!! nada nos llama la atención o nos parece que ya hemos sacado todas las fotos posibles. Otras veces simplemente tenemos una asignación pendiente y no sabemos como encararla. Para escaparle de alguna forma  a este problema, es bueno saber que pretendemos hacer con nuestra cámara incluso antes de salir a la calle y para ello necesitamos saber de antemano cual será nuestro tema a fotografiar. Con motivo de mi Desafío 3o Días Blogueando, voy a hacer coincidir el tema de ejemplo con la palabra asignada para el día uno del desafío. El tema elegido será la palabra tren.

Supongamos que tenemos una asignación donde el tema sean los trenes, o que tenemos ganas de salir a sacar fotografías y tenemos una pintoresca estación de trenes cerca de casa o simplemente una vía a la que podemos acceder en forma segura. Si nos aventuramos con nuestra cámara a sacar fotos a la primera y sin analizar la situación, seguramente obtengamos algo como resultado, pero será lo que nosotros pretendíamos? Será tan bueno como era posible?

Teniendo una idea de que queremos sacar nos permitirá anticipar la configuración de nuestra cámara para que se adecue al resultado esperado. Si el tema a fotografiar es un tren, o todo lo referido a los trenes que se nos ocurra, podemos abordar la escena desde diferentes ángulos y puntos de vista de acuerdo a lo que queremos expresar: movimiento, subjetividad, un tipo especifico de maquinaria, colores, abstracción. Para ello (debido a las inclemencias del clima en mi ciudad) te dejo algunos ejemplos que encontré en la web, personas como tu y yo que se aventuraron a fotografiar trenes.

Cuando pensamos en trenes inmediatamente pensamos en movimiento, fuerza, tamaño. Una de las primeras ideas que se vienen a la cabeza es fotografiar un tren en el anden sin embargo es mucho mas llamativo fotografiar un tren en movimiento. En el primer ejemplo, el fotógrafo decidió tomar una imagen de un tren que se aproxima a la cámara. Con velocidades de obturación bajas, podemos capturar movimiento en forma de colores y líneas que se forman en la imagen. El fotógrafo utilizó en este caso una velocidad de disparo de 0.2 Sec (1/10), apertura f/10 y sensibilidad ISO 100

En el segundo ejemplo, el fotógrafo también tiene como sujeto a un tren que se aproxima de frente, sin embargo la imagen está mucho mas definida. El tren parece estático y el movimiento está congelado. Para ello, el fotógrafo utilizó velocidades de disparo altas, donde el diafragma se abre y se cierra a grandes velocidades. Para todo objeto en movimiento que se aproxima completamente de frente velocidades de 1/250 serían suficientes, pero como la posición de la cámara esta un poco desviada hacia el costado, el fotógrafo utilizó velocidades aun mayores, en este caso 0.001 sec (1/1000), apertura f/8 y sensibilidad ISO 360.

Otra forma de abordar un tema es mediante la subjetividad. La ausencia de un elemento donde estamos acostumbrados a verlo, nos sugiere su presencia y nos crea la inquietud de preguntarnos donde esta? Es una forma de atraer la atención del observador para lograr en el mismo sensaciones involuntarias a las que queremos llegar. En este ejemplo, la vía de tren se proyecta desde adentro del túnel en ausencia de la locomotora. El tren se aproxima lentamente desde la derecha pero la ausencia del mismo en primer plano hace que nuestros ojos recorran las vías hasta encontrarlo. El fotógrafo utilizó una velocidad de disparo de 0.02 sec (1/50) con una apertura f/3.5.

Con la ausencia completa de el objeto en cuestión también podemos hacer referencia al mismo. Es un recurso que puede ser utilizado en publicidad, con el fin de crear una inquietud en el observador en busca de una reacción. En este caso el fotógrafo utilizó una velocidad de disparo 0.08sec (1/125) con una apertura f/10.

En este ejemplo el fotógrafo seguramente fotografió el paisaje, pero dependiendo del uso que nosotros vayamos a dar a la fotografía, perfectamente podía haber sido compuesta para cumplir con nuestro tema de una forma subjetiva.
Recuerda que siempre observando el trabajo de otros fotógrafos puede enseñarte algo nuevo e inspirarte para tus propias fotografías. Las EXIF de fotos en Flickr y otros sitios pueden ayudarte a comprender cual era el tema abordado por el fotógrafo y como logró la fotografía.

La apertura focal parece un concepto demasiado técnico y numérico que puede llegar a ponernos las cosas difíciles al momento de sacar una fotografía, sin embargo el aspecto mas importante a tomar en cuenta es la profundidad de campo. El lente enfoca en un punto dentro de la escena que compone nuestra fotografía donde la imagen sera nítida, pero sin embargo tenemos objetos que se encuentran por delante y detrás de ese punto de nitidez. La profundidad de campo es el área de nitidez dentro de una fotografía (desde mas cerca a mas lejos). Las leyes ópticas establecen que para los valores mayores de apertura focal por ejemplo f/16, f/22, f/32 (donde la apertura del diafragma es menor) el área de definición o nitidez sea mayor. A su vez, para los valores menores de apertura focal, por ejemplo f/2.8, f/4, f/5.6 (donde la apertura del diafragma es mayor), el área de definición es menor.

De que nos sirven la apertura y la profundidad de campo? De acuerdo a la apertura empleada nosotros podremos controlar la profundidad de campo al momento de componer nuestra fotografía, ajustando los valores de ISO  y velocidad de disparo para que la fotografía no quede oscura o demasiado brillante, sino en su punto exacto de perfecta exposición.  De que nos sirve controlar la profundidad de campo al componer una fotografía? Uno de los usos mas importantes es cuando queremos atraer la atención del observador hacia un sujeto o necesitamos que el entorno no distraiga al observador de lo que nosotros queremos mostrarle. Los valores de apertura focal pequeños(aquellos que permiten las mayores aperturas del diafragma) nos permiten que los elementos por detrás ( y adelante también) del sujeto se vean desenfocados en nuestra fotografía perdiendo interés. De esta manera, aislamos al sujeto de su entorno creando un fondo borroso donde el sujeto esta completamente definido. Esta técnica es muy útil para sacar retratos.  Por otro lado, cuando sacamos fotografías de paisajes necesitamos que los objetos lejanos estén definidos, nítidos.  Por lo tanto los valores altos de apertura focal son los indicados para que toda nuestra fotografía este definida, tanto en el fondo como en las áreas cercanas al observador. Los valores altos empleados en paisajes, f/16, f/22, nos pueden dar buena nitidez, pero reducen considerablemente la cantidad de luz que entra a nuestros sensores elevando los tiempos de exposición. Por ello la mayoría de las veces es aconsejable utilizar un trípode para fotografiar paisajes, especialmente cuando la luz es escasa como en el alba y el ocaso.

Si te estas iniciando en fotografía o si ya eres un fotografo que tiene un estilo propio, admirar el trabajo de los demás fotografos es tan importante como aferrarte a tu propio estilo.
Observa el trabajo de los demás y analizalo. Aprende y desglosa sus técnicas de iluminación. Toma nota de los gustos que tienen, los motivos y el uso de los colores. Utiliza esos trabajos para inspirarte. No lo copies al pie de la letra. Pero busca ideas que se adapten a tu estilo y tus preferencias. Observa los valores empleados de apertura focal y velocidad de disparo y tómalas como referencias, así tendrás una idea del efecto que causan en la fotografía. Viendo fotografías adiestras tu poder de observación y te acostumbras a los ángulos y enfoques que realmente causan sensación.
Si de inspiración se trata, es mejor que sea de los mejores. No te olvides de los tradicionales pero sobre todo busca a tus contemporáneos. Para ello te dejo el link de una publicación asombrosa que tiene 300 páginas de alta calidad con fotografías y fotógrafos de todas partes del mundo que puedes ver on line o bajar en version pdf, lo cual es muy útil para ver en tu celular o tablet cuando no tienes conexión disponible.
camerapixo.com es una publicacion en inglés que nos permite registrarnos en forma gratuita para tener acceso a las publicaciones anteriores, pero si queres una prueba podes bajar la publicación mas reciente en este PDF.

Como nos cambia la fotografía la velocidad de disparo? Dependiendo de la velocidad de disparo empleada nuestra cámara va a capturar una imagen que congele el movimiento o va a capturar una imagen donde el movimiento este representado por áreas borrosas o líneas continuas. Perfectamente nuestra creatividad puede centrarse en congelar una acción o capturar el movimiento de la misma, pero los resultados visuales serán totalmente distintos así como el impacto visual de fotografía. La decisión de que opción tomar al momento de ser creativos dependerá de lo quieramos mostrar.

Para congelar una acción la velocidad de disparo deberá ser muy alta, eso quiere decir que el lapso de tiempo que nuestro diafragma toma para dejar pasar la luz a nuestros sensores (o film) debe ser muy corto. Si el sujeto en movimiento o la acción es muy rápida, requerirá que nuestra velocidad de disparo sea mayor ( es decir que el diafragma debe abrirse y cerrarse en menor tiempo). Para la mayoría de las fotografías con movimiento en situaciones normales, donde la acción transcurre en forma lateral, de izquierda a derecha o viceversa, velocidades de disparo entre 1/500 y 1/1000 pueden hacer el trabajo. Si la dirección del movimiento viene directamente hacia nosotros, una velocidad de disparo de 1/125 debiera ser suficiente.

Si lo que queremos es capturar el movimiento en nuestra fotografía, la velocidad de disparo debe ser menor (es decir debemos dejar que entre luz a nuestro sensor por mas tiempo). Siempre dependiendo de la forma en que deseemos representar el movimiento y la acción que estemos registrando, la velocidad de disparo puede variar. Con velocidades de 1/10 el movimiento debiera empezar a transformarse en nuestras fotografías. Velocidades de 1/2 segundos o aproximadas son ideales para generar el efecto algodón en el movimiento del agua, ya sea en una catarata, un río o simplemente las olas del mar. Para capturar escenas al anochecer donde las luces de los coches se transforman en líneas continuas de colores, una velocidad de disparo de 1/8 segundos seguramente nos proporcionará una imagen espectacular. Cuando tomamos fotografías donde la velocidad de disparo es baja (es decir que la luz llega a nuestros sensores (o film) por mas tiempo) necesariamente debemos trabajar con trípode, especialmente en fotografías donde el contraste entre los elementos en reposo y movimiento aumentan el drama en nuestra fotografía.

Si aún no tienes conocimiento de apertura focal, utilizar el modo Tv (o prioridad de velocidad de disparo) en nuestras cámaras, es una buena opción para practicar con diferentes velocidades de disparo sin preocuparnos por obtener una fotografía mal expuesta o mal balanceada. Simplemente elige tu velocidad de disparo, elige el sujeto, encuadra tu fotografía y deja que la cámara se ocupe de la apertura focal en forma automática para la velocidad ISO utilizada. Recuerda que las cámaras digitales nos dejan tomar montones de fotografías a virtualmente no costo para nosotros, por lo tanto no tengas miedo a equivocarte y saca tantas fotografías como puedas. Luego obsérvalas, analizalas  e identifica los cambios o relaciones entre una fotografía y la siguiente, de esta forma iras aprendiendo las relaciones en el triangulo de exposición y que valores de velocidad de disparo son convenientes de acuerdo a cada acción.

 Dichas líneas nos marcarán un recorrido, un camino, un sentido hacia donde nuestra vista tendrá intención de dirigirse cuando la veamos. Dependiendo del dramatismo de esas líneas, llamarán en mayor o menor forma la atención. Otras veces, dichas líneas tan marcadas en la arquitectura o la naturaleza, son las que componen nuestra fotografía, especialmente cuando se convierten en el sujeto.

 Las líneas guía están en todas partes y depende de la sagacidad del ojo del fotógrafo encontrarlas al momento de componer. Muchas veces pueden estar adelante tuyo y a su vez pasar desapercibidas. Un buen ejercicio al respecto es buscar líneas guía cuando no estamos sacando fotografías. Ya sea en el auto bus, desde la ventana de un café, sentado en la plaza o caminando, identificar dichas lineas e imaginar como usarlas.

Otro elemento a tener en cuenta cuando compones una fotografía es la posición que tu sujeto ocupa. Todos en un principio, por una cuestión de balance tendemos a ubicar al sujeto de una fotografía en el medio de la foto, mirando de frente y en forma rígida. Recuerda que cuando sacas una fotografía estas intentando capturar un momento, en ese instante seguramente esta ocurriendo una acción o hay una intención. Subjetivamente hacer referencia y darle espacio en la foto no esta mal y muchas veces puede ayudar a contar tu historia, que en definitiva es lo que haces cuando tomas una fotografía, contar una historia. Cuando ubicas a tu sujeto en la fotografía hay una regla muy importante que suele ser de gran ayuda a la hora de componer tu fotografía. Es la regla de los tercios.

La regla de los tercios no es otra cosa que dividir el espacio que forma tu fotografía en tres franjas horizontales de igual tamaño y tres franjas verticales de igual tamaño como muestra la siguiente imagen.

Si prestas atención están marcadas dos conjuntos de paralelas, verticales y horizontales. En su intersección se generan cuatro puntos. Cuando compongas una fotografía la regla de los tercios dice que tu sujeto debe estar ubicado no en el centro, como ocurre comúnmente, sino sobre una de las líneas paralelas. Cuando tu objeto es de proporción vertical usaras las líneas verticales como guía, por ejemplo una persona. Cuando en tu sujeto predomina la horizontalidad, como ser un paisaje, lo mas indicado es usar las líneas horizontales. Supongamos que estamos fotografiando un horizonte. En tu fotografía hay espacio por encima de la línea del horizonte y por debajo. Dependiendo de lo que tu quieres contar, ubicar la línea del horizonte sobre la paralela superior te permitirá contar que sucede entre el horizonte y el punto de observación que es tu cámara. Si ubicas el horizonte sobre la paralela inferior, el cielo ocupara mayor espacio dentro de tu fotografía y se volverá el sujeto de tu fotografía, pero asegúrate de que tiene suficiente que contar o tu fotografía se volverá aburrida y no habrá servido de nada aplicar la regla de los tercios.

La regla de los tercios también nos dice que las intersecciones de las paralelas son los puntos de mayor carga dentro de la fotografía. Cuando fotografiamos una persona, si la fotografía es un retrato o un encuadre en el que el sujeto se ve con detalle y ocupa la mayor parte de la misma, ubicar los ojos de la persona a la altura de la paralela superior y sobre uno de los puntos de intersección le dará a nuestra fotografía un aspecto mucho mas interesante. La atención del ojo del observador será dirigida en forma instantánea hacia ese punto, que es en definitiva lo que nosotros queremos mostrar. Aparte la relación entre el espacio que ocupa el sujeto y el fondo favorecerá la historia que nosotros queremos contar y no las que ocurren detrás que a nosotros no nos interesan. Si el encuadre es mas amplio, de todas formas podemos dirigir la atención del observador hacia el sujeto, ubicando nuestro sujeto sobre una de las intersecciones como lo muestran las siguientes imágenes.

Sin importar la regla que uses, la de los tercios o las que te contaremos en nuestra próxima entrega, recuerda que las reglas de composición no son obligatorias. Son simplemente guías que te pueden ayudar a no cometer errores o que te ayudaran a crear una fotografía que al mirarla te llame la atención y sobresalga sobre las demás. Sin embargo siempre debes potenciar el resultado final y si romper una regla de composición hace que tu foto se vea espectacular entonces hazlo sin importar que puedan pensar los demás. Las reglas se inventaron para ser rotas, pero siempre y cuando estés consciente de lo que estas haciendo y esto va para todos los ámbitos de la vida. Síguenos en Twitter y en Facebook para la próxima entrega con mas ideas sobre composición para que tus fotos se vean espectaculares.

Las cámaras compactas, pensadas para llevar en el bolsillo a dónde sea no tienen lentes intercambiables y en cambio si tienen un lente del tipo zoom que se ajusta a una gran gama de distancias focales que te permiten abarcar prácticamente todas las situaciones de la vida cotidiana dentro de un espectro de funciones mas que nada automatizadas o standar. Las cámaras DSLR o las antiguas SLR nos proporcionan mayor calidad de imagen y adaptación a la luz, menos granulado en situaciones de baja luminosidad y funciones manuales que nos permiten volvernos creativos con nuestras fotografías. Este tipo de cámaras generalmente tienen lentes intercambiables que nos permiten actuar en una gama mucho mas reducida de distancias focales, lo que implica que debamos tener lentes para utilizar en distintas ocasiones y necesidades, lo que las hace mas caras  e incómodas de transportar.

Ambos tipos comparten sin importar la marca y modelo el conjunto de funciones automático donde podemos encontrar ajustes predeterminados para nuestra cámara, que harán que la misma se ajuste a nuestras necesidades y la foto sea correcta. Los diferentes tipos de funciones que podemos encontrar básicamente en todas las cámaras son:

-Retrato, para sacar de cerca, generalmente los motivos son personas

-Paisajes, obviamente para paisajes amplios, donde prácticamente todo está en foco

-Macro, que nos permite sacar mas cerca que las demás funciones y que también sirve para desenfocar lo que está por detrás del sujeto

-Acción, donde la cámara se ajusta para tomar imágenes de sujetos en movimiento y la cámara congela la imagen.

Todos estos estilos, aparte del totalmente automático, generalmente representado con un cuadro verde o una letra A, son perfectos para sacar buenas fotos, pero solo en las condiciones ideales que los genios que cobraron miles y miles de dólares mientras las diseñaban imaginaron que serían condiciones standard. Pero el fotógrafo, en la vida real, se encuentra con distintos tipos de condiciones lumínicas, de situaciones y requerimientos que no se ajustan a esas condiciones ideales de quienes inventaron la cámara. Para ello, para darnos a nosotros los fotógrafos mayor dominio sobre la cámara y el resultado final que será la fotografía existe el modo creativo y el modo manual que generalmente solo existe en las cámaras tipo DSLR o SLR.

En el modo creativo o manual de una DSLR o SLR, el fotógrafo puede llegar a obtener exactamente las mismas funciones que en el modo automatizado, pero también puede adaptarse a diferentes situaciones lumínicas, de movimiento y sobre todo puede crear una fotografía en base a los ajustes que seleccione. Los distintos modos de ajuste que encontramos en el modo creativo son:

-Modo P, que es un modo de relaciones entre apertura focal y velocidad de disparo pre configurado en pares donde moviendo un dial avanzamos entre los diferentes ajustes que nos garantizan exposiciones correctas.

-Modo Tv, (Time Value) que nos permite elegir una velocidad de disparo cualquiera y la cámara automáticamente nos brinda el valor correcto de apertura focal que nos garantice una foto bien iluminada para el valor ISO deseado.

-Modo Av (Aperture Value) que nos permite elegir una apertura focal y la cámara nos brinda automáticamente el valor de velocidad de disparo correcto para obtener una fotografía bien iluminada para el valor ISO deseado.

-Modo manual, donde el fotógrafo tiene acceso a controlar todos los valores de ajustes que componen nuestra fotografía y aquí es donde ocurre el mojo. Aquí es donde todos debemos llegar y aquí es donde tu sacarás lo mejor de una cámara de fotos.

Es muy útil para conocer todas estas funciones y las específicas de tu cámara que leas tu manual de usuario. No importa cuantas cámaras hayas tenido ni cuanto sepas. Cada cámara nueva y cada marca tiene una forma distinta de  agrupar sus funciones y por supuesto casi siempre trae una nueva.

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En esta sección entre otros temas te enseñaremos a conocer tu cámara. Tu puedes pensar que tu cámara simplemente saca fotos al apretar el botón de disparo, pero tu cámara puede darte mucho mas. Te explicaremos cuales son las funciones generales que tienen la mayoría de las cámaras fotográficas, pero también te orientaremos hacia el mundo SLR o en estos tiempos DSLR (digital sigle lens reflex). Las DSLR son las cámaras mas avanzadas que te permitirán sacar fotos asombrosas y lograr efectos que pueden hacer que tus fotos sobresalgan entre las de tus amigos. Capturar fotos con movimiento o congelar una acción, poner el fondo borroso para separar el sujeto de lo que sucede en el fondo, la regla de los tercios de composición, como encuadrar tus fotos, repetición, contraste y muchas mas.

No hace falta que seas un fotógrafo profesional o que tengas una cámara muy cara para sacar buenas fotos! Por supuesto que los mejores equipos del mercado y los mas nuevos son los que hacen las cosas mas fáciles y te proporcionan mejor calidad. Sin embargo, si tu no tienes el conocimiento adecuado, estarás limitado al modo automático de tu cámara y nunca podrás liberarte y pasar al modo manual donde la magia de la fotografía sucede. Síguenos en Facebook o Twitter para el primer consejo de fotografía.